Al Universo

Mientras Carlos Mata encontraba la manera de reajustar sus filas, Jorge Reyes, con un par de conocidos, formo Al Universo integrado por el propio Reyes (flauta, guitarra); Miguel Suárez (batería); Edgard Dalire (guitarra, violin); Mauricio Bieletto (cello); y Armando Suarez (bajo), quienes se pusieron a crear musica de rock progresivo.

Además de tocar en los hoyos fonkis, el quinteto se dio a conocer por la musicalizacion de diversas obras de teatro (Simio, Deus Machina, Adan y Eva), y por la grabación de un disco: Viajero del Espacio. En su único álbum, Al Universo no logro definirse totalmente. Hay temas importantes ("Viajero del Espacio", "Andrómeda") por que en ellos están las simientes que ellos mismos explotarían en Chac Mool. La mayoría de la s composiciones buscan regodearse con sonidos amables, inclinados a cierto barroquismo y a la finura de las bandas Italianas, salvo "Nena Pide Todo" en donde la influencia de King Krimson es muy clara.

Además, en ese año (1976), la regla era no componer en español y Al Universo lo hizo. La ausencia de oficio era evidente y esta se trasmitió a la totalidad de los temas que, ubicados en el contexto internacional, eran irrelevantes. En el mapa rockero, en plena expansión, México era inexistente. De allí que Edgar Daliri afirmara, con razón, lo siguiente, en la revista México Canta, No. 486: "Nuestra música expresa y refleja los problemas actuales de nuestro país, de la juventud, la crisis económica de nuestro país,, las injusticias que sufren nuestra sociedad, así, nuestra música es en México de vanguardia aunque para otros países sea y este a la retaguardia por el momento.

La historia no fue prodiga con Al Universo y luego de la aparición de su disco el grupo desapareció, Antonio Malacara, escribió en la revista, Conecte "Rock 'N' México" No. 53, 2 de Octubre de 1977: "Mauricio Bieleto afirma que la desintegración vino a raíz de la música que tocan, pues esta no es comprendida por muchos chavos [...] Legaron un Lp mediano e indefinido, sin ninguna resonancia comentable.". 

También influyo que Jorge Reyes decidió viajar a Europa donde permaneció por tres años.

A su regreso se reintegro a Nuevo México para grabar un segundo disco: Nuevo México (1979) un álbum que no igualo a su predecesor. La flauta protagonista principal del primer disco, únicamente aparece en "El Amanecer"; los ingredientes prehispánicos se reducen a lo mínimo y dan paso a la inclusión de colores mas inclinados al folclore. "Cerámica" y "Guadalajara" se ligan con el son y la música de mariachi; de hecho la segunda es un horrible arreglo muzak al tema de Pepe Guizar. La finura se toca en agresividad, y la guitarra -mesurada en sus intervenciones en el acetato anterior- se revela ácida, pesada y sicodélica en la mayoría de los temas. El acento verdaderamente progresivo solo persiste en "El Mar". 

Nuevo México pudo haber tenido éxito con este disco, aunque ya no en la corte progresiva; pero los medios de difusión permanecían cerrados a cualquier expresión rockera hecha en México. Como estaría la situación que, al abrir los ochentas se afirmaba lo siguiente escrito en "Editorial" de la revista Conecte, No. 160 febrero 1980: "Parece que empezamos muy bien los ochentas para el rock nacional, ya que hemos podido apreciar algunas cosas positivas dentro de el, que posiblemente lo lancen fuertemente por los medios de comunicación. Por lo pronto en Radio Capital, "Después de Avandaro, 1971", esta programando a un grupo mexicano. Se trata de Nuevo México y su tema "El Mar", el cual tiene salida diariamente a las 21:20 hrs., precisamente antes del noticiario que da pie a "Vibraciones". Había que cazar, reloj en mano, la oportunidad de escuchar a un grupo mexicano; pero para evitar dificultades se programaba un tema ¡instrumental!

Dos años después de esta incursión discográfica, Carlos Mata abandono, por falta de estimulo, el progresivo y se enfilo hacia otros territorios: "Le estamos dando a la gente lo que quiere... bailar sacar lo de adentro, estamos haciendo música diferente a la que hacíamos en nuestro comienzos, que era música progresiva. Ahora estamos tocando música new wave, ya que pienso que debemos estar al día".

En 1989 se reeditó "Hecho en casa" con la portada del segundo disco, la contraportada original y un nuevo titulo Grupo Nuevo México. Además, tres cortes aparecidos en el segundo disco ("Guadalajara", "Reflexiones" y "Cerámica") se incluyeron en era nueva edición. A mediados de 1997, finalmente aparecieron ambos discos en un solo CD.

Dejo a continuación, los temas del LP de Al Universo:

Al Universo, LP Viajero del espacio, México, 1976
1 Viajero del espacio 
2 Niño (30 de abril)
3 Donde esta el amor
4 Encuentro
4 Adiós
5 Andrómeda
6 Mundo de pena
7 Nena pide todo
8 Sin tu amor
9 Fue ayer
10 Adiós

 

Les comparto esto que Víctor Moreno publicó sobre el grupo el 08 de mayo de 2020: "Para 1973 el grupo Al Universo representaba una nueva perspectiva en cuanto al enfoque de lo que era hacer rock mexicano.

 

Contemporáneos de agrupaciones ya establecidas como Dug Dug's, Three Souls o Toncho Pilatos, su propuesta más ecléctica y académica los ubicaba en un nicho hasta entonces no tan socorrido, el rock progresivo. Si bien hubo atisbos hacia este género en la obra de El Ritual o la Tinta Blanca, lo cierto es que ningún grupo había incursionado en esto tan abiertamente como ellos y Super Mama con la diferencia que estos últimos no dejaron grabaciones. 

 

Con su trabajo Al universo navegaba en otras aguas, lejos del blues del hoyo funkie o de las tendencias guapachosas abordadas por quienes creían (erróneamente) que Santana tocaba música tropical. Tres de sus integrantes provenían de Nuevo México con quienes Carlos Mata inició la hechura de su primer disco aunque finalmente no se quedarían en el grupo. Ellos eran los hermanos Miguel y Armando Suárez, batería y bajo respectivamente y Jorge Reyes en la flauta. Después de salir de Nuevo México enfocarían su quehacer en la integración de elementos de música más demandante soportados a su vez por una instrumentación tan variada como interesante ya que incluyeron a un chelista (Mauricio Bieletto) e incorporaron un instrumento de reciente llegada al mercado mexicano, el sintetizador. Complementaba el grupo el guitarrista Edgar Dilari quien provenía del grupo Represión. Viajero del Espacio es un disco que muestra la simiente de un gran proyecto que florecería algunos años después ya que tres de los participantes (Armando, Jorge y Mauricio), darían vida posteriormente a Chac Mool. Y esa es otra historia.

 

Integrados en 1973, desde el inicio dieron muestra de aspirar a altos vuelos navegando absolutamente en las aguas del mejor rock progresivo de la época, destacando todos ellos como multi instrumentistas. Entraron con el pie derecho al circuito teatral musicalizando obras de vanguardia en paralelo a sus presentaciones en los mejores hoyos fonki de entonces así como algunos masivos. Su música no era para escucharla en un bar mientras te comes una hamburguesa, su propuesta era muy intelectual y exigía mucha atención por parte del escucha, fueron de los primeros en experimentar con sintetizadores lo cual aprovecharon muy bien alejándose de las producciones "comerciales" y ñoñas que también se engolosinaban con el entonces novedoso instrumento. Fueron contemporáneos de Ciruela, Toncho Pilatos, Bandido, Dug Dug's, Enigma, Náhuatl y se adelantaron por una década a grupos como Música y Contra Cultura, Nobilis Factum, Iconoclasta o Delirium. Dejaron un Larga Duración llamado Viajero del Espacio editado en 1974. 

 

En este disco ya se dejan escuchar atisbos de lo que harían unos años adelante cuando se convirtieron en Chac Mool. Definitivamente adelantados a la época, tal vez por eso mismo no lograron la penetración en el gusto popular que merecían pero siempre dejaban muy claro que como músicos no eran conformistas y no dudaban en tomar riesgos que muchos otros grupos no se atrevían a abordar.

Junto con Super Mama de Tijuana, en esa etapa fueron punta de lanza en el naciente rock progresivo mexicano de los setenta. De izq. a der. en la imagen, Edar Daliri, guitarra y violín, Armando Suárez, bajo y piano, Mauricio Bieletto, viola y sintetizador, Jorge Reyes, flauta transversa, percusión, guitarra y sintetizador y Miguel Suárez, batería, clarinete y percusión.

Las Antorchas

Grupo que se inició en 1965 y estuvo activo hasta 1976. Grabaron un disco sencillo (S-45 2123) con los temas "Anoche fue" y "Un poquito más". Tras diversos cambios de personal, cambian después de nombre a "Antorcha" y tienen un excelente periodo de trabajo, aunque sus temas quedan enlatadas tras los sucesos de Tlatelolco en 1968.

A continuación dejo la siguiente reseña: "Grupo iniciado a fines de 1964 y principio de 1965 por dos amigos de preparatoria: Omar Cortes y Bernardo Minerva, integrándose después Jorge González y Víctor Motta.

Tras muchos intentos, llegan a tocar en fiestas locales, del barrio o la colonia, quince años....y les sirve de fogueo tocando mayoritariamente, covers de grupos como Sam Cooke, The Animals y varios mas, tanto de Estados Unidos como de la naciente Ola Inglesa. Se inician como Los Broken Souls, hasta que son contratados que es donde se decide cambiar el nombre a Las Antorchas en 1966.

Tras ser contratados por Orfeón, se integra Fernando Morales y empezaron a hacer presentaciones en la radio, giras, ensayos en el estudio de grabación, planes para exclusividades, y llegan en el radio a promoverlos para armonizar fiestas juveniles y posadas como "premio" si marcaban los radioescuchas, y al ser tan jóvenes, pues aceptaban, ya que aprovechaban para ensayar material de otros cantantes y empezar a escribir material propio, mismo que quedó enlatado hasta que deciden publicar algo de ese material, en EP's independientes, a principio de los 70, hasta que en una edición especial de Orfeón, se publicó un excelente CD con la mayoría de estos temas.

Corría el año de 1968, el grupo de rock Las Antorchas, encontrábase en un trance que a la postre concluiría con toda una renovación e incluso con un cambio de nombre que terminaria siendo Antorcha.  

En efecto, los integrantes del grupo Las Antorchas habían cambiado. Bernardo Minerva y Jorge González optaron por abandonar el grupo; Fernando Mercado se encontraba convaleciente de una enfermedad que le alejo del grupo por varios meses. Guillermo Motta, por su parte, se había incorporado al grupo supliendo a Jorge Gonzalez, y Victor Motta había pasado de los teclados a las percusiones buscando llenar el hueco que había dejado Bernardo Minerva, el anterior baterista en el grupo Las Antorchas, siendo Omar Cortés el único que permaneció inamovible en su puesto de bajista.

Así las cosas, el sonido propio del grupo sufrió un cambio notable, al igual que el interés de sus miembros activos por prestar atención a las composiciones propias olvidándose un poquito de la enfermiza tendencia impuesta por los directores artísticos, de andarse fusilando melodias de grupos de otros paises para, poniéndoles una letra en español, grabarlas buscando la promoción a través de ellas.

Lo que se pretendía a partir de aquellos momentos, era poner énfasis en composiciones propias, finalidad que no era ni entendida ni compartida por el staff de los directores artísticos. La canción que originalmente pretendimos grabar, se llamaba Dime, y constaba de un complicado juego de voces y coros que si bien en la teoría funcionaba a la perfección, no sucedía lo mismo en la práctica, puesto que en asuntos de coros y voces no eramos que digamos muy duchos. 

Así, ante la realidad y después de varios intentos fallidos por llevar a buen puerto nuestra composición, hubimos de hacer cambios severos, casi una cirujía mayor, a la canción en cuestión, siendo así como surgió El lugar, terminando Omar Cortés interpretando la primera voz.

Igualmente, llegaron a participar a tocar en el Palacio de Bellas Artes, invitados al evento celebrado ahí tras la muerte de Manuel Acuña, tocando un tema, titulado símplemente "In Memoriam" que fue un gran éxito en el evento y que solo tocaron no mas de tres veces en su carrera musical y que es una joya de colección, aunque no se tenga una grabación de estudio de dicho tema (se grabó en una grabadora portátil, perdonando la rebundancia).

Tras varios cambios, es en los 70 donde tiene ya su mejor etapa como músicos, aun cuando llegaron a ser trío, destacando temas como Grass, En el jardín del edén, Inconclusa, Sodomáquina, El bracero, La Tierra, Amiga, entre otros temas, y siguen dando presentaciones en lugares donde se llegaron a oír mejor sus discos, que fue en zonas como Cuernavaca, Tenancingo, Huajuapan de León, entre otros. Por si quieren saber mas de ellos, les recomiendo su página web: http://www.antorcha.net/

Los Monjes

LOS MONJES: "El hábito hace al monje" 

Ataviados con sus peculiares hábitos, de imagen mística y tocando una mezcla de rock, música clásica y jazz, apereció en la escena musical el trio Los Monjes, comandado originalmente por el virtuoso tecladista Hesiquio Ramos, quien ya en 1966 ejecutaba con gran calidad complicados temas jazzisticos como Take five y Caravana, y obras clásicas como El Concierto de Varsovia, además de componer melodías originales que alternaban con interpretaciones a populares covers como La Casa del sol naciente y Hanky Panky, con los que se dieron a conocer. 

En la batería estuvo siempre hasta el fin de sus días, Jorge Julio Bracho (QEPD), quien falleció a causa de un mal hepático; este fue hijo del conocido director de cine Julio Bracho.

En el bajo hay que mencionar a José Antonio Fernández de la Mora (también fallecido), que aunque no fue integrante original, si fue el que más tiempo duró con Los Monjes, y quien grabó todo el material discográfico que existe de ésta extraña agrupación, tanto el LP captado en vivo en el Instituto Politécnico Nacional, como el grabado en estudio. 

 

Aparecieron en varias películas, debido en parte al parentesco del baterista con Julio Bracho, director de cine, autor de varias películas de la llamada época de oro del cine mexicano. Las películas fueron: Cuernavaca en primavera de 1965, La muerte es puntual de 1965, Damiana y los hombres de 1966. Fuente: Tomado de la semblanza del folleto del disco 'Historia del rock mexicano', Volumen 1, producido por Armando Molina y la extinta web de mi buen amigo Manuel Martínez http://www.maph49.galeon.com/avandaro/monjes.html).

  

Existió un grupo también llamado los Monjes, anterior a el grupo arriba presentado, eran yucatecos, y entre sus integrantes se encontraba Guadalupe Trigo el cual más adelante se dedicó a solista, siendo Mi ciudad su más famosa interpretación. Su breve semblanza se encuentra en este mismo blog.

 

Les dejo esta reseña publicada por Munster Records, en la reedición de algunos temas de este grupo: "Eran la respuesta mejicana a los Monks!!!!El salvaje trío Los Monjes no sólo compartía n

ombre con la banda The Monks, si no que además, al igual que sus tocayos gringos, se disfrazaban de monjes. Y ahí no se acaban las comparaciones ya que en lo aberrante de sus letras y en lo musical, tanto en el sonido como en la composición de algunos temas, la similitud entre ambos va más allá de la pura coincidencia.

 

 

Por lo tanto, la duda que surge es, ¿Llegaron a escucharse los unos a los otros? Sin que fueran ni mucho menos desconocidos en su época, Los Monjes no alcanzaron plenamente las mieles del éxito en cuanto a discos de oro, diosas de plata y desfiles de éxitos se refiere. No pasaron inadvertidos porque su calidad estaba por encima de la media y su atuendo resultaba llamativo. Además mantuvieron el formato de trío situado en las inciertas fronteras entre el jazz y el rock. Eran los Ramsey Lewis Trio mexicanos y se salvaron, gracias al órgano, del ñaca-ñaca de las guitarras.

Originalmente formados por Hesiquio Ramos (órgano y piano), Jorge Bracho (batería) y Fernando Pazos (bajo) aparecieron por vez primera en el film “Cuernavaca” en primavera (1965), dirigido, como casi todos los que hicieron en su carrera, por Julio Bracho, padre de Jorge. Ya encarrerados participaron a ritmo de jazz barroco y a go go en “La muerte es puntual” (1965) de Sergio Véjar. Al poco tiempo José Antonio de la Mora sustituyó a Pazos y en 1966 realizaron su ahora célebre y costoso disco en vivo ‘Desde el Politécnico’ (CBS,DCA-479. Luego se dedicaron a sobrevivir, que no es poca cosa, y aparecieron en varias películas: “Damiana y los hombres” (1966) y “Andante” (1967). Y colorín colorado".